Według historyka Belgiorno wzmianki o pierwszej budowli poświęconej św. Pawłowi pochodzą już z 1400 roku, jednak kościół ten został poważnie uszkodzony przez trzęsienie ziemi w 1631 roku. Być może z powodu konieczności przeprowadzenia niezbędnej renowacji, 9 sierpnia 1632 roku stał się on kościołem filialnym kościoła macierzystego św. Piotra. Został całkowicie zniszczony przez najsilniejsze trzęsienie ziemi, które miało miejsce 11 stycznia 1693 roku. W związku z tym budynek, który zwiedzamy, jest w stylu późnego baroku, a prace trwały aż do 1903 roku. Fasadę flankują dwie dzwonnice, z których tylko jedna posiada dzwon. Budynek wznosi się nad schodami, przed którymi znajduje się kuta żelazna krata, prowadząca do głównego wejścia. Znajduje się on w pierwszym z dwóch poziomów, na które możemy podzielić fasadę. Portal tworzy łuk półokrągły z kapitelem toskańskim. Po bokach portalu, na dwóch cokołach, umieszczono rzeźby św. Piotra po lewej stronie, rozpoznawalnego po kluczach, oraz św. Pawła po prawej stronie, rozpoznawalnego po mieczu – są to kopie rzeźb drewnianych znajdujących się w absydzie kościoła św. Piotra. Po bokach, na wysokości naw bocznych, znajdują się dwa kwadratowe okna, a pośrodku, nad dużym oknem górującym nad portalem wejściowym, widnieje data 1903, czyli rok, w którym, jak się uważa, zakończono prace nad fasadą.

Wnętrze kościoła podzielone jest na trzy nawy, oddzielone kolumnami z lokalnego wapienia z ozdobnymi kapitelami korynckimi, wykonanymi prawdopodobnie z materiałów odzyskanych ze starego kościoła. Podczas długich i złożonych prac konserwatorskich przeprowadzonych około 1980 roku, mających na celu wzmocnienie konstrukcji za pomocą stalowych cięgien, u podstawy pierwszej kolumny w lewym rzędzie odkryto inskrypcję z datą 1719 r. z napisem (E/LLIPO), poprzedzonym literą V. Kolumny podtrzymują łuki zwieńczone różnymi zwieńczeniami, przedstawiającymi twarze aniołów. Nadrzędna nawa ma sklepienie krzyżowe, a nawy boczne – sklepienie beczkowe.

Kościół św. Pawła stał się samodzielną parafią w 1924 r., a następnie powierzono mu zarządzanie kościołem Carmine, opuszczonym przez zakon karmelitów po zjednoczeniu Włoch z powodu konfiskaty dóbr kościelnych i przekształcenia klasztoru w posterunek karabinierów. W latach 70. proboszcz Cavallo przeniósł całą działalność kościoła „ ” do sąsiedniego, już odrestaurowanego kościoła Carmine, w związku z czym w kościele św. Pawła, który nigdy nie został zdekonsekrowany, przez trzydzieści lat nie odbywały się nabożeństwa. W nawie głównej kościoła św. Pawła powstały znaczne różnice wysokości spowodowane niestabilnością statyczną kolumn. Usunięto ziemię z nawy głównej, wzmacniając kolumny w klatkach, nie stwierdzono obecności grobów ani pochówków w usuniętej ziemi. Na początku obecnego tysiąclecia starannie odrestaurowano ołtarze w nawach bocznych.

Obraz, wykonany techniką olejną, został zamówiony w 1802 roku u Giovan Battisty Ragazziego wraz z pięcioma innymi płótnami, z których zachował się jedynie obraz przedstawiający św. Antonina klęczącego przed Matką Bożą z Dzieciątkiem. Dzieło przedstawia epizod związany z życiem młodej Agaty, dziewicy z Katanii żyjącej w III wieku n.e., która odmówiła podporządkowania się rzymskiemu prokonsulowi Quinziano. Uwięziona i torturowana, poniosła męczeńską śmierć poprzez usunięcie piersi. W więzieniu odwiedza ją św. Piotr, który uzdrawia ją prawą ręką, trzymając w lewej klucze symbolizujące przebaczenie grzechów na ziemi i w niebie. Motyw ten, nawiązujący do jednego z obrazów słynnego tryptyku wykonanego przez Pietro Novelli w 1635 roku dla kościoła kapucynów w Ragusie, był powszechny na początku XVII wieku, o czym świadczą płótna autorstwa Alessandro Turchi z Werony, zwanego l’Orbetto, oraz Giovanniego Lanfranco z Parmy.

Miasto Modica do 1844 roku (roku powstania diecezji Noto) należało do diecezji Syrakuz, gdzie kult tej świętej z Syrakuz był i do dziś jest wyraźnie odczuwalny. Często sami biskupi z Syrakuz rozpoczynali swoje wizyty duszpasterskie od sprawdzenia w każdym kościele ołtarzy poświęconych św. Łucji.

Święta Łucja, urodzona w Syrakuzach, osierocona po stracie ojca, została obiecana za żonę poganinowi, choć w tajemnicy złożyła śluby dziewictwa. Łucja odmówiła składania ofiar pogańskim bogom i została ścięta. Legenda głosi, że wyrwano jej oczy i wrzucono je do morza. Z tego powodu jest uważana przez wiernych za patronkę oczu, niewidomych i okulistów. Świętą Łucję zazwyczaj przedstawia się jako młodą kobietę trzymającą w dłoni talerzyk, na którym spoczywają dwa oczy. Również w tym niedawno wykonanym, dobrze wykonanym dziele, stworzonym w ubiegłym wieku przez kanonika Orazio Spadaro, święta Łucja jest przedstawiona z lewą ręką podtrzymującą talerzyk, na którym znajdują się oczy, a prawą ręką trzymającą palmę, symbol męczeństwa.

Święty Józef zawsze odgrywał ważną rolę w historii sztuki chrześcijańskiej, choć drugorzędną w porównaniu z rolą Matki Boskiej. Przed średniowieczem i w jego trakcie jego ikonografia miała charakter marginalny i wiązała się z pracą fizyczną, jednak w wyniku przedstawień z XVI i XVII wieku zaczęła się radykalnie zmieniać. Jednym z najznamienitszych przykładów przełamania dotychczasowej ikonografii był „Tondo Doni” Michała Anioła, na którym Józef znajduje się na pierwszym planie i trzyma na rękach Dzieciątko Jezus – rolę tę przedtem rezerwowano wyłącznie dla Matki Bożej. We współczesnej ikonografii święty ten jest patronem dzieci i rodziny, a nie tylko opiekunem robotników fizycznych. Na tej rzeźbie, przedstawiającej świętego trzymającego na rękach małego Jezusa, można rozpoznać symbole związane z tym świętym. Wśród nich znajdują się lilie, symbol czystości i świętości, oraz charakterystyczny pomarańczowy płaszcz, który go okrywa.

Na czwartym ołtarzu znajduje się XVIII-wieczna grupa rzeźbiarska wykonana z drewna w kilku etapach, przedstawiająca scenę Matki Bożej Bolesnej, załamanej z bólu na widok ukrzyżowanego Chrystusa, dodaną prawdopodobnie w połowie XIX wieku. Matkę Bożą podtrzymuje pobożna kobieta. W tej dramatycznej scenie obecny jest ewangelista Jan, tak jak sam to opisuje w swojej Ewangelii:

Gdy więc Jezus ujrzał swoją matkę i stojącego obok niej ucznia, którego miłował, rzekł do matki: „Niewiasto, oto syn twój!”. Następnie rzekł do ucznia: „Oto matka twoja”. I od tej chwili uczeń ten przyjął ją do swojego domu.

J 19, 26-27

To sam Jezus łączy postać Matki Bożej Bolesnej pod krzyżem z postacią ewangelisty Jana. Dlatego kult Matki Bolesnej, który w świecie katolickim rozwijał się od końca XI wieku, jest zawsze związany z obecnością św. Jana Ewangelisty. W 1814 roku papież Pius VII wprowadził to święto do rzymskiego kalendarza liturgicznego, ustalając je na 15 września.

Modlitwa do Matki Bolesnej:

Matko Bolesna, Ty, która doświadczyłaś głębokiego bólu na widok swojego ukrzyżowanego Syna, prosimy Cię, bądź z nami w naszych cierpieniach. Ty znasz ciężar bólu i trud noszenia krzyża. Pomóż nam znaleźć pocieszenie i nadzieję w Twoich kochających ramionach.

O Maryjo, Matko Bolesna, Ty, która dzieliłaś drogę cierpienia Jezusa, wstawiaj się za nami u swego Syna.

Pomóż nam odnaleźć sens w naszym bólu i ofiarować go jako zjednoczenie z Męką Chrystusa. Obdarz nas siłą, byśmy przyjęli wolę Bożą i wytrwali w wierze. Matko Boża Bolesna, prosimy Cię, abyś towarzyszyła nam na naszej drodze życia.

Bądź naszą przewodniczką i pocieszycielką w chwilach smutku i bólu. Pomóż nam zrozumieć odkupcze znaczenie cierpienia i odnaleźć pokój w Twojej matczynej miłości.

Amen

Na ołtarzu głównym znajduje się XVIII-wieczne dzieło przedstawiające św. Pawła, inspirowane tym samym motywem, który od XVIII wieku zdobi absydę jego kościoła macierzystego. Jak wiadomo, św. Paweł był pierwotnie znany jako Szaweł z Tarsu, gorliwy żydowski faryzeusz. Prześladował chrześcijan, aż – zgodnie z tradycją chrześcijańską – miał wizję Jezusa na drodze do Damaszku. Po tym doświadczeniu nawrócony Saul zmienił imię na Paweł i stał się jednym z największych misjonarzy wczesnego chrześcijaństwa. Podróżował po całym basenie Morza Śródziemnego, głosząc Ewangelię i zakładając liczne wspólnoty chrześcijańskie. Jego listy, zawarte w Nowym Testamencie, stanowią fundamentalną część teologii chrześcijańskiej. Ostatecznie został uwięziony i ścięty w Rzymie, stając się jednym z najbardziej czczonych męczenników Kościoła chrześcijańskiego.

Posąg świętego przedstawia go z prawą ręką wyciągniętą do przodu, a lewą trzymającą książkę w żółtej oprawie. Twarz charakteryzuje się długą czarną brodą płynnie przechodzącą w włosy. Poważne spojrzenie skierowane jest najpierw w stronę obserwatora, a następnie w dół. Święty ma na sobie zieloną szatę z złotymi lamówkami na brzegach, ale jej wygląd przełamuje czerwony płaszcz, który spoczywa na lewym ramieniu, opasuje talię i swobodnie opada w kierunku stóp.

U stóp ołtarza głównego na szczególną uwagę zasługuje XIX-wieczny marmurowy fronton autorstwa nieznanego artysty, na którym przedstawiono św. Pawła głoszącego kazanie na Areopagu w Koryncie

Rzeźba autorstwa nieznanego artysty, wykonana na początku ubiegłego wieku. Kult Najświętszego Serca Jezusa ma dla chrześcijan dwojakie znaczenie: z jednej strony polega na oddawaniu czci Sercu Jezusa jako symbolowi Jego człowieczeństwa, tego, że stał się człowiekiem i poświęcił się za nas wszystkich; z drugiej strony uznaje się w nim symbol miłości Jezusa do ludzi, Jego Męki w ich imieniu. Tradycyjna ikonografia nawiązuje do symboli Męki Pańskiej i przedstawia Najświętsze Serce pośrodku piersi Jezusa, z krzyżem umieszczonym nad nim, ukoronowanym cierniami. Na boku Serca widnieje krwawiąca rana, przypominająca tę zadana Jezusowi na krzyżu i symbolizująca rany, jakie grzechy ludzi wciąż Mu zadają każdego dnia. Najświętsze Serce otoczone jest płomieniami, symbolizującymi płonące miłosierdzie i żarliwą miłość Zbawiciela do wszystkich ludzi.

XIX-wieczna rzeźba autorstwa nieznanego artysty. Pełne przygód życie i liczne cuda, których dokonał przede wszystkim w celu uzdrowienia wielu chorych na dżumę, sprawiają, że św. Rokos jest jednym z najbardziej czczonych świętych na świecie, a także jedną z najbardziej aktualnych postaci, ponieważ – po św. Ricie z Cascii – był najczęściej wzywanym świętym na świecie podczas ostatnich pandemii. Cześć wobec niego rozprzestrzeniła się począwszy od miejsca jego narodzin (Montpellier w 1345 r.), miejsca śmierci (Voghera w 1379 r.) oraz miejsca, w którym prowadził swoją działalność (Piacenza). Po śmierci rodziców, mając zaledwie dwadzieścia lat, ukończył studia na Uniwersytecie w Montpellier, a następnie sprzedał cały swój majątek i wyruszył w pielgrzymkę do Rzymu drogą francigeną. Posąg przedstawia postać o cierpiącym wyrazie twarzy, z prawą ręką opartą na piersi i lewą nogą lekko wysuniętą przed tułów; na udzie widoczna jest rana, którą można dostrzec dzięki szacie uniesionej przez lewą rękę postaci. Rana ta nawiązuje do dżumy, którą święty zaraził się w okolicach Piacenzy. Na szacie widnieją dwie muszle, symbol wytrwałości, nawiązujące do jego pielgrzymki do Santiago de Compostela: każdy pielgrzym udający się do Galicji zbierał muszle z plaż. Na ramionach spoczywa ponadto sanrocchino, krótki płaszcz z płótna, który służył do ochrony pielgrzymów przed niepogodą i jest symbolem boskiej opieki.

U stóp świętego leży pies, który był dla cudotwórcy namacalnym znakiem Boskiej Opatrzności, która przychodziła mu z pomocą w sytuacji skrajnej potrzeby; jest on symbolem jego wierności boskiemu powołaniu. Pies trzyma w pysku chleb: ten właśnie stanowił pożywienie podczas słynnego postoju w Piacenzy, gdzie święty odizolował się z powodu choroby. Pies przynosił mu pożywienie, zabierając je ze stołu swojego pana, Gottarda. Jest to symbol Eucharystii, wsparcia na drodze życia. Ponadto niektóre świadectwa mówią również o uzdrowieniach zwierząt dotkniętych dżumą, których dokonał w Piacenzy. Jest patronem wielu miast i miejscowości

Figura przedstawia Matkę Bożą w postaci Niepokalanego Poczęcia, zgodnie z tradycją zachowaną od grzechu pierworodnego. Postać stoi w skromnej i wyprostowanej pozie, z rękami złożonymi jedna na drugiej na piersi, z głową pochyloną w lewo i zwróconą ku niebu, a u jej stóp leży złoty księżyc i wąż o potwornej głowie, którego Maria przygniata stopą. W ikonografii katolickiej zdeptany wąż symbolizuje niekwestionowany triumf dobra nad złem, tworząc paralelę między Dziewicą a Ewą, pierwszą kobietą, nawiązując do słów Księgi Rodzaju: „Wprowadzę nieprzyjaźń między ciebie a kobietę, między twoje potomstwo a jej potomstwo: ono zmiażdży ci głowę, a ty będziesz gryzł ją w piętę” (3,15).

Również księżyc jest często pojawiającym się elementem, symbolizującym czystość Matki Bożej oraz podobieństwo między księżycem, na który pada światło słońca, a Marią, na którą spływa wielkość i potęga Boga, a która pozostaje nietknięta. Postacie ta ma na sobie dwie szaty: czerwoną na spodzie i białą na wierzchu, a także niebieski welon: czerwona szata, znajdująca się pod spodem, symbolizuje ziemski wymiar należący do Dziewicy, biała – czystość i nieskazitelne piękno, natomiast niebieska szata na wierzchu, kolor ludu Izraela, symbolizuje boskość otaczającą ludzkość Marii.

U stóp figury poświęconej Niepokalanemu Poczęciu znajduje się wizerunek św. Ludwika Gonzagi. W drugiej połowie XIX wieku w Modica odnotowano wielkie ożywienie mające na celu pogłębienie kultu świętego młodzieży, żyjącego w drugiej połowie XVI wieku. Prawdopodobnie w tym okresie przełożeni kościoła św. Pawła zlecili wykonanie figury poświęconej św. Ludwikowi Gonzadze. Nie stwierdzono obecności relikwii, która zawsze towarzyszyła tego rodzaju dziełom, prawdopodobnie przechowywanej w innym miejscu kościoła. W Modica, przy kościele matkowym św. Piotra, w XIX wieku powstało bractwo luigini, którego celem było właśnie wzmacnianie wiary wśród młodzieży. Św. Ludwik Gonzaga był świętym z zakonu jezuitów, który odrzucił władzę i bogactwa swojej szlacheckiej rodziny z Mantui, aby podążać za swoim powołaniem do pomocy najbardziej potrzebującym, niosąc pomoc chorym na dżumę w Rzymie. Właśnie w Rzymie zmarł w wieku 23 lat na dżumę dymieniczą, po tym jak zaraził się od chorego, którego niósł na plecach. 

Obraz ten został zamówiony u artysty Giovan Battista Ragazzi w 1802 roku wraz z obrazem poświęconym św. Agacie. Na obrazie przedstawiono epizod opisany w „Liber Miraculorum” – objawienie się dziecka św. Antoninowi, które zgodnie z tradycją miało miejsce w Camposampiero. Na obrazie św. Antonino jest przedstawiony na kolanach z wyrazem zdumienia na twarzy, wyciągając ręce w kierunku dziecka trzymanego na rękach przez Dziewicę – choć w opowieści nie ma o niej wzmianki – otoczonej aniołami i chmurami. Obecność Matki Bożej w wizji świętego przywodzi na myśl motyw dość powszechny w ikonografii franciszkańskiej od końca XVI wieku, a mianowicie objawienie się Dziewicy św. Franciszkowi, które – zdaniem wielu badaczy – mogło doprowadzić do wzajemnego oddziaływania z modelem ikonograficznym Antoniego. U stóp świętego, po prawej stronie obrazu, można dostrzec lilię, symbol czystości; warto również zwrócić uwagę nie tylko na pierwszy plan, ale także na drugi plan, gdzie widoczne są anioły i różne chmury, wśród których dostrzec można putta.

Fresk wykonany przez lokalnego artystę Giovan Battista Ragazzi przedstawia triumf łaskawości. Dzieło to jest kopią fresku wykonanego w Rzymie przez Carlo Marattiego na zlecenie rodziny Altieri dla pałacu o tej samej nazwie. Rzymskie dzieło stanowi moment przejściowy między sztuką barokową a neoklasycystyczną; powstało w 1674 roku, aby uczcić wstąpienie na tron św. Piotra kardynała Emilio Altieri pod imieniem Klemensa X. Wzorem do naśladowania miał być „ ” („Triumf Opatrzności”) autorstwa Pietro da Cortona, wykonany dla pałacu Barberini. Maratti stworzył jednak fresk, który odchodzi od barokowej obfitości i eksuberancji, podkreślając zamiast tego powściągliwość ideałów klasycystycznych, które wkrótce miały się ugruntować w kulturze XVIII wieku. Powody, dla których Giovan Battista Ragazzi wykonał kopię rzymskiego dzieła, są obecnie przedmiotem badań; z pewnością z strony zleceniodawcy istniała chęć wykazania zdolności do uwzględnienia trendów artystycznych, które umacniały się w całej Europie, podkreślając w ten sposób kulturową dojrzałość regionu.
Centralna scena fresku przedstawia piramidalną kompozycję, której zwieńczeniem jest apoteoza cnoty uosabianej przez postać kobiecą trzymającą w jednej ręce berło Boskiej Opatrzności, a w drugiej gałązkę oliwną. Postać tę identyfikuje kartusz podtrzymywany przez putto, na którym widnieje napis „CUSTOS CLEMENTIA MUNDI”. Wyrażenie „Custos clementia mundi” (z łaciny „Łaskawość, strażniczka świata”) ma klasyczne pochodzenie. Cytat ten pochodzi pierwotnie z dzieła późnoantycznego poety Klaudiusza Klaudianusa (z jego „Panegiryku na cześć konsulatu Stilikona”, wers 9), gdzie Clementia jest wychwalana jako pierwotna bóstwo, które rozproszyło chaos i zaprowadziło równowagę we wszechświecie.

Poniżej, na fresku, widzimy alegorie Roztropności, Sprawiedliwości i Obfitości. Młody mężczyzna trzymający sztandar na obrazie Maratty przedstawia Gaspare Altieri, spadkobiercę i kontynuatora rodowej linii; na fresku z Modicy ma on jednak ogólną twarz i nie da się go zidentyfikować. Poniżej, w czterech skrzydlatych postaciach, można rozpoznać Cztery Pory Roku, wśród których zima jest przedstawiona jako anioł wylewający z miski małe chmurki deszczu.

Po bokach fresku znajdują się dwa wizerunki: jeden przedstawia apostoła św. Piotra, a drugi św. Pawła.